グルック《オルフェオとエウリディーチェ》＠新国立劇場

２００７年３月２３日（金）
新国立劇場　中劇場

先週末、グルックの《オルフェオとエウリディーチェ》を観てきました。
もともとはオペラとして作られた作品が、バレエ＆オペラとして、どんな風に生まれ変わるのか、けっこう楽しみに出かけたのでありますが・・・

残念ながら、結果は、どっちつかずの中途半端なものになってしまったのではないかしら？というのが率直な感想です。

物語はメインの舞台でダンサーを中心に進められてゆくのですが、サイドで歌っていた歌手が、メイン舞台の上に入ってくる場面が数回あったり、一階客席後方からダンサーのオルフェオと歌手のオルフェオが登場したりと、二人のオルフェオ、二人のエウリディーチェが、見るものの前に同時に現れるのですが、そうすることで一体何を現わそうとしているのか？　私にはつかみきれませんでした。

ダンサーたちは主に白っぽいコスチューム、歌手たちは黒いコスチュームだったのも、しっくりきませんでした。
私の固定概念かもしれないけれど、どうしても「陽と陰」と見てしまうのですよね・・・
そのせいなのかな？　歌手の方々を含め、音楽面のほうが少し力不足だったような気がしました。

でもでも、第２幕のオルフェオがエウリディーチェを冥界から連れ戻す場面は、緊張感あふれるダンスが舞台床に光によって現された迷路の上で繰り広げられ、造形的にもシンプルで美しく、振付けもとても見応えがあり、イイなぁと思いましたよ。(^^)

振付けをしたウォルシュさんによると、今回の舞台は「モダンとコンテンポラリーをミックス」したダンスなのだそうですが、私には、そんなにコンテンポラリーしてるようには見えず、どちからといえば、かなりクラシックに近いものに見えました。
時々、キラリと光るイイ動きもあったので、それらがもう少し長く持続され「あ～目が離せな～い」って思えたならば、もっと楽しめたのかもしれません。
これは、振付けというよりも、ダンサーの魅力の問題なのかな？(^^;

　　◇　　◇　　◇

新国立劇場エメラルド・プロジェクトNo.２
《オルフェオとエウリディーチェ》

【ダンサー】
エウリディーチェ：湯川麻美子
オルフェオ：中村　誠
アムール：丸尾孝子・グリゴリー・バリノフ・冨川祐樹

【歌手】
エウリディーチェ：安藤赴美子
オルフェオ：吉川健一
アムール：田上知穂

演出振付：ドミニク・ウォルシュ
音楽：クリストフ・ヴィリバルト・グルック
編曲・指揮：デヴィッド・ガルフォース

管弦楽：東京フィルハーモニー交響楽団
合唱：新国立劇場合唱団

ワーグナー《さまよえるオランダ人》＠新国立劇場

２００７年３月７日（水）
新国立劇場　オペラ劇場

タイトなスケジュールの合間を縫って出かけた《さまよえるオランダ人》。
だいぶ遅くなってしまったけれど、良い公演だったので記録します。

なんと言っても魅力一杯だったのが、ゼンタを歌ったアニヤ・カンペ。
癖のない声は好感がもてたし、芯のしっかりした若い女性らしさを上手く表現してました。不思議な国のアリスのようなスカイブルーのドレスと金髪も、とても似合ってました。

次に惹かれたのが、エリック役のエンドリック・ヴォトリッヒ。
華やかさを備えた声で、声量もあり、久しぶりに、ちょっと気になるテノール歌手に出会えました。

そして、オランダ人のユハ・ウーシタロさんはボリュームある声、そして大きな体格が、かなりインパクトありました。(^^;

そしてそして、新国立劇場合唱団。
ぴったり揃ってるし、声量もあるし、相変わらずとても上手いのだけど、うぅ〜む。
なんと言うのかなぁ、水夫たちの力強さを現そうとしているのだろうけど、それが逆にツマンナイというかぁ、ガンバリすぎというのか、響きが単調というのか。
ソリストやオケとのバランスを考えると、どうなのだろう？と私は多少なりとも違和感を持ちました。

演出は普通かな？(^^;
でも、シンプルな舞台美術や衣裳は好きなタイプでした。

それにしても、このお話し、真面目に考えだすと深みにはまりそうです。

ゼンタは自己犠牲をはらったのだろうか？
いえいえ、あれはむしろ自己実現だったのかも？
帰りの電車の中、プログラムに掲載されていた精神科医香山リカさんの鋭い分析を読んで苦笑いしている自分がいました。(^^;

ああ〜　私の前にもオランダ人、現れないかなぁ〜

　　　◇　　◇　　◇

ワーグナー《さまよえるオランダ人》

オランダ人：ユハ・ウーシタロ
ゼンタ：アニヤ・カンペ
エリック：エンドリック・ヴォトリッヒ
ダーラント：松位　浩
マリー：竹本　節子
舵手：高橋　淳

指揮：ミヒャエル・ボーダー
演出：マティアス・フォン・シュテークマン
合唱：新国立劇場合唱団
管弦楽：東京交響楽団

マチェック《預言者リブザ》＠オルセー美術館展

先日、東京都美術館で４月８日まで開催されている「オルセー美術館展」を観てきました。

祭日だったので、とっても混んでました。
だから、真面目に見ませんでした。あはは(^^;

とか何とか言いながらも、印象に残ったのは、やっぱり大好きなポール・セザンヌ。(^^)
《サント・ヴィクトワール山》と《ギュスターヴ・ジェフロワ》。
それから、ホイッスラーの《灰色と黒のアレンジメント第１番、画家の母の肖像》。
そして、今回の展覧会で一番の収穫だったのが、ヴィテスラフ・カレル・マチェックの《預言者リブザ》でした。

作者ヴィテスラフ・カレル・マチェック　Vitezlav Karel Masek（1865-1927）は、チェコの象徴主義の画家。
点描がみごとで、色数が少なく単調になりがちな画面に良い感じの変化をつけてますね。
それに、難しいとされている正方形の画面なのに、左側に人物を寄せ右側に空間を大きく取った構図がなかなか面白いし、預言者リブザの水平に挙げられた左手に見るものの視線を誘導する良い効果を出してます。
そして何より、画面全体が神秘的で、この女性はいったい何を予言したんだろうって考えずにはいられない不思議な魅力に溢れてます。

リブザ、リブザ・・・

あ、そうか！？　リブザって、スメタナのオペラ《リブシェ》のタイトルロール、ボヘミアの女王リブシェのことだったのか。

手元にある『オックスフォード・オペラ大事典』（平凡社）によれば、1881年６月11日、プラハ国民劇場の柿落しに、スメタナ自身の指揮で上演されたオペラ《リブシェ》は

「ボヘミアの女王リブシェは、父親の遺産分配を巡る二人の兄弟フルドシュとシュターフラフの間の争いを収める。フルドシュは不運で、リブシェを規則に合わないといって侮蔑する。このことで心を乱したリブシェは、分別のある農民プシェミスルに権力を渡し、彼と結婚する。二人の兄弟は和解し、プシェミスルはボヘミア最初の王朝プシェミスル朝を築く。」

っていう、う〜ん？いまいち良くわかんないストーリーなのだけど、この絵のリブシェ（リブザ）を見ていると、何だかオペラも観てみたくなりますよね〜♪

そういえば、以前、プラハを訪ねたとき、この国民劇場で、スメタナの《売られた花嫁》を観たのを思い出しました。
ヴルタヴァ（モルダウ）川のほとりに建つ、それはそれは美しい劇場でした。(^^)
ドイツに支配されチェコ語を思うように使えなかった時代、「チェコ語によるチェコ人のための舞台を」というスローガンのもと造られた、チェコ文化復興の象徴ともいえる劇場なのだそうです。
その柿落しなら《リブシェ》はピッタリなわけですね。

日本橋高島屋「相原求一朗展」

２００７年１月２５日〜２月６日
日本橋高島屋「相原求一朗展　〜北の大地に青春の残像を探し続けた生涯〜」

もうかれこれ一月以上も前に足を運んだ展覧会ですが、感動で、じわぁっと涙がこみ上げてくる風景画に、久しぶりに出会ってしまったので、遅ればせながら記録します。

埼玉県川越の豪商の家に生まれた相原求一朗(1918-1999)は、幼い頃から絵を描くことが大好きで、たぐいまれな絵の才能を発揮しますが、長男坊だったため家業を継がなくてはならず、独学で油彩画を勉強し画家を目指します。

1940年、21歳で兵役につき、旧満州やフィリピンを転戦します。
そして、1944年、25歳の時にフィリピンからの帰還途中、搭乗した飛行機が沖縄沖に不時着。重傷をおって漂流していたところを奇跡的に救出されたのだそうです。

終戦後も、求一朗はデッサンなど基礎の勉強をつづけ、1950年、31歳の時に、新制作派協会第14回展に２点搬入し《白いビル》が初入選します。
しかし、その時代の美術界は、アブストラクト全盛で、求一朗も天性の上手さで《線路のある風景》のような造形的な素晴らしい作品を何点も残していますが、本来、彼が目指していた具象画と、時代が求める抽象画との間で苦悩し、とうとう絵が描けなくなってしまったのでした。

そんな時、藁をもつかむ思いで出かけた北海道で、満州での体験を甦らせた原風景をみつけ、自分が描くものはこれしかないと、悪戦苦闘の末、今までの全てを捨て、天性の上手さをも封印します。
それが《すけそうだらの詩（ノサップ）》の時代です。ルオーを思わせる絵の具をゴツゴツと厚く盛り上げたマチエール、形も色も無くなり、どんよりとした鉛色だけが画面を支配したのでした。
静寂の世界をみつけた求一朗は、ヨーロッパにも出かけて風景を描き、白と黒が創り出す、独特な「相原芸術」が確立されたのでした。

しかし、求一朗の作品は、そこで終わりませんでした。
晩年、北の大地への回帰は更に深まります。
病身を心配されながらも、雪の大地にスケッチへでかけ、驚くべき創作意欲によって次々と大作が生み出されたのです。

実は私、今回この展覧会へ足を運ぶまで、相原求一朗の作品を見たこともなければ、その名前すら知りませんでした。
もちろん、どういう経緯で「北の十名山」など北海道の自然を描くようになったのかも知りませんでした。

何の予備知識もなければ、思い入れも全くありませんでした。
なのに、いえ、だからなのでしょうか？　ただただ純粋に作品に圧倒され、絵の前に釘付けにさせられました。
やっぱり余計な説明って要らないのですね。
大作の並らべられた空間での、見動きできなくなるほどの感動的な出会いは、私にとって素晴らしい体験となったし、今後、自分が制作を続けていく上での一つの指針となったことも、間違いなさそうです。

【画像】
《線路のある風景》　1954年
油彩・カンヴァス　1303×1621
川越市立美術館所蔵

《すけそうだらの詩（ノサップ）》　1968年
油彩・カンヴァス　1303×1938
川越市立美術館所蔵

《白き神の座》　1996年
油彩・カンヴァス　1300×1939
相原求一朗美術館所蔵

《天地静寂》　1994年
油彩・カンヴァス　805×1303
AOKIホールディングス所蔵

《春宵　斜里岳》　1995年
油彩・カンヴァス　893×1301
相原求一朗美術館所蔵

《緑の丘》　1992年
油彩・カンヴァス　913×1168
相原求一朗美術館所蔵